【大众文化网讯】当代唐人艺术中心香港空间11月28日将举办艺术家徐华翎最新展览“关雎”，展览将持续至2015年12月31日。此次展览由知名策展人戴卓群策划，是徐华翎与当代唐人艺术中心的首度合作，也是唐人香港新空间开幕后的首个绘画项目，将展出徐华翎近两年创作的新作，之早前的作品相比，形象的叙述性特征加强，新作更引向对形式和语言的关注。

　　展览题为“关雎”，取自《诗经》国风，是先秦时代华夏族民歌。这首描写男女恋爱的情诗，在艺术语言上巧妙地采用“兴”的表现手法。与本次展览艺术家一直以来关注的个人绘画特质有着异曲同工之处，文学和艺术从来就不是互不相连的两个分支，甚至有着密切的共通性。只是随着时代发展和社会分工的细化，在社会加速进程中越来越分化。而徐华翎此次展览借用古代诗歌的主题，表达了蕴含在作品中一直以来的情愫，以及现代社会女性在变化莫测的时代，在追求财富，讲求有质感生活的同时，也面临社会生存的压力。她们的直觉敏感细腻，既有女性的温柔婉约的精神特质，也有来自现实情境的矛盾心理。做为中国年轻艺术家团体N12小组成员的徐华翎，与她的同学梁远苇、王光乐、胡晓媛、仇晓飞等人同期就读于中央美术学院，相似的教育经历和共通的职业路径，却没有抚抹掉这位从中国画专业出身艺术家的特殊身份标签。对现成经验的依赖是大多数时候人们习惯于的认识事物的途径，而对于超出既有经验的对象，无法在经验惯性中统合的对象，便令某种类型化的方法系统变得错愕尴尬。

　　从开始练习习作，到最先开始没有任何价值取向的创作;从研究生一年级时画的《境》系列，到《香》系列的雏形，徐华翎在此过程中感受到传统人体造型之外，个人对创作的一点想法。通过抛弃传统的勾线、染色的方式，虽然在表现时会形成障碍，在尝试初期出来并不让人满意的油画效果，但在后续的调整中，通过去掉光影减淡颜色，呈现出预想的效果，形成了《香》系列。

　　在艺术家看来，传统工笔画讲究人物故事和画面的完整性，很少有画身体的局部。徐华翎对人体躯干部分感兴趣，认为靠身体的形来支撑画面可以很好地表现张力。而在她之前尝试的很多画中，很多人体更多是写生的性质：模特躺着或摆出好看的造型，学院派的习作气息浓厚，这并未上升到一个创作的高度，怎样提升并形成符合自己个人气质的风格?“把东西做极端，只摘取我最喜欢的局部”，成为徐华翎解决方式。从毕业展览展出的《香》系列，切入纤瘦的女孩“背影”——从肩膀到臀部的部分，没有多余的动作，通过外部的形构图，使渲染的颜色实现整体效果的说服力。

　　在《香》系列之外，徐华翎也一直在补充着其他系列的创作。艺术家从自身的角度对女孩的日常生活感兴趣，尤其作为女性自身对于一种私密空间的体验：比如在同性面前换衣服、表现女性人体有转折的部分，身体的切割，后背，侧面，躯干等等部位。女性之间私密性的体验有一种温润且朦胧的美，在她的画面元素中不乏出现蕾丝、小内裤、纹身等，营造出一种隐约但不破坏整体的感觉，这种私密的女性化语言是在极自然和放松的姿态下被呈现的。

　　女性往往对情感非常敏感，所以体现在徐华翎的画上也是比较细微的，这种感情有的时候不是特别能用文字传达。《后花园》就是一种私秘的感觉，就像自己的私家一样，“后”这个字本身就有种后退的意思，更加增加了个人化的体验。《后花园》系列中的两个女孩，既有友情又有爱情，有点类似于台湾歌手范玮琪的那首歌《一个像夏天一个像秋天》，女孩们的心事，想必只有女孩最明白。同样，《依然美丽》系列描述了刚过青春期的现代少女，对社会生活压力和感悟，对单纯爱情矛盾和懵懵懂懂的复杂心理，其中有徐华翎本人情绪的投射，更多的是对这一群体敏感脆弱心态的把控。

　　除了女性对本身的心理感受外，还有女性对外部世界认识的敏感度，始于2008年金融危机的《静心》系列作品，就很有针对性。取名《静心》，也是针对那一时期的客观感知和个人态度，“让我自己的心也静下来，我希望别人的心也静下来”，回头来看这样一系列作品的出现，也是对一个经济动荡期时代变化的纪念。

　　从《香》到《之•间》系列，徐华翎又回到最开始纯粹、本真的状态，变得没有明确的指向性了。很多艺术家在十几年的创作中的确有过这样的变化。但《之•间》系列呈现了更加丰富的空间元素和视觉效果，使得呈现方式和传统的工笔画有很大的区别。从《之•间》系列可以看出徐华翎选材的广泛性，艺术家也坦言拓展了表达的能力，选材可以很广泛，“我把很多感兴趣但是可能不会去画的东西放了进来，比方说我可能会放进一些风景，或是放一张我喜欢的别人的画，但是我不会去临摹他，只是把他纳入进来，和我的画互相影响。这不仅仅是一个单纯的两层叠合，而是内容和媒材、视觉角度和方式，叙事的不一样碰撞。最终的结果会产生很多新的火花，让观者有一种误读，每个人对这个画有不一样的解读，内容就变得很丰富了，而结果是我想要的。”艺术家将不同的图片、元素前后叠合，幻化出截然不同的效果，因此“选择”变得非常有意思。

　　对于这次展览，策展人戴卓群如此评论：徐华翎别具个人化的艺术实践，已然触及了当下绘画的诸多边界乃至险境，我们很难草率地给她的绘画赋予一个概念上的归类，没有任何现成的经验可以套用。在通常的描述中，她被视作中国画工笔绘画领域年轻一代最富有实验精神的代表性艺术家，即便如此，这种简单以历史经验既有的类型和媒介来给定个体实践的方式，无疑是陈腐和缺乏现实意义的。

　　遵循前现代时期所建立的中西二元绘画史的分类方式，在当下的语境里是非常有问题的，通过工具、材料、媒介等界定的类型，使艺术家的个性、思想、观念与风格因人为的区隔和操纵而无处安放。因此上，即便在同一个时间轴线，一个油画家，一个国画家，往往被看做两个领域竟不相干的角色，这是一种几近荒诞的局面，而徐华翎不自觉地站到了敏感的风浪口。

　　徐华翎的绘画始终在媒介与观念繁复交织的隐忍中平衡和构建一种极为个人化却又整一沿贯的视觉面貌。她对绘画的反思以纯然开放的自觉立场展现于她所熟稔并且敏感的视觉经验中，从对晋唐以来人物画的传脉做为基本进路，到对日本绘画中形式因素的借用，里希特的图像与笔迹、霍克尼的景物和色彩、杜马斯的女人体以及德本波特的黑白摄影，网络影像、现成图片和画家旅行中拍摄的照片都通过细腻的视觉表现和分离，在消融既有秩序的同时，生成全新的语言与意义。